“Pra onde é que a gente vai agora? Não sei, estamos só estudando o caminho!” (trecho da obra)

OKAN traz uma poética que verticaliza o trabalho de consciência corporal e estado de presença das intérpretes, recuperando da dança seu caráter mais festivo, popular e alegórico, produzindo espaços de afeto que rompem os limites entre intérpretes e espectadores. O espetáculo mistura ficção e realidade, em uma dramaturgia assumidamente brasileira e engajada, das pesquisas que temos feito a partir de relatos de lideranças de suas comunidades. O histórico das mulheres do cangaço nordestino, as indígenas guaranis do Mato Grosso do Sul, as comunidades rurais do interior de São Paulo, as catadoras de resíduos de Maracaí, as Mães de Maio, a União das Mulheres, as mulheres pretas e quilombolas, as refugiadas espalhadas pelas periferias e as mulheres das famílias das integrantes do grupo. Narrativas que traduzem uma dimensão histórica e cultural, resultante de modos de sentir, viver e pensar coletivos.

Queríamos pesquisar as resistências das mulheres e isso foi alterando nosso modo de sentir, de produzir e de agir no mundo. Ainda em busca de uma estética que fizesse sentido com essa ética, iniciamos estudos em línguas bantas, iorubá, mitologia dos orixás, experimentos afro corpóreos. Costuramos delicadamente cada palavra do texto, que teve já quatro versões. Quando íamos estrear, a pandemia nos fez revisitar cada caminho. Voltamos pra sala de ensaio, num exercício árduo de desapego. Convidamos mais três artistas, mulheres negras, como nós. Thais Dias, Ana Flor e Helena Menezes se juntavam agora à direção de Juliana Pardo e às corpas de Erika Moura, Valquiria Rosa e Natália Siufi. 7 mulheres. Em abril de 2023, enfim, parimos OKAN! Nome dado pela escritora e mestra Waldete Tristão.

ESTE ESPETÁCULO carrega a busca de algo tão antigo quanto à própria humanidade. Uma síntese da resistência das corpas em luta, produzindo quadros que tragam o estranhamento necessário para compreensão desse cotidiano de resistência. Somos milhares! Corporificar, criar movimento através do som e das imagens. Sinestesia: experiências sensoriais. Fotograma em tempo real. Improvisação cômica. Matrizes Brasileiras como xaxado, cavalo marinho e bumba meu boi. As loas e passagens características do teatro de mamulengo. A pluralidade de ferramentas conquistando diferentes materiais corporais e nos aproximando dessa matriz ancestral, potente e reveladora. O refinamento do trabalho físico aliado à prática engajada e encontro com outras referências.

Dança levada à radicalidade: física, imagética, sonora, na investigação das redes de relações, alianças e parentescos que sustentam a cultura sertaneja brasileira e herdeira de sangue e culturas diversas, fundidas e talhadas no encontro com uma geografia e clima quase impenetráveis. Sertão que não se restringe ao nordeste, sertão concreto e sertão metáfora. A produção da vida, do alimento, as relações familiares, as medicinas, os cantos… em ritos que se assemelham, as mulheres determinam a cultura que nos torna gente de algum lugar. Foram mais de 70 horas de registros audio-visuais, além de anotações e fotografias, trazendo à tona o inconsciente coletivo de um povo colonizado, explorado e acuado, mas que resiste. Relações que alimentaram nosso imaginário, na busca dessa corpa que parta da afetividade e da construção de espaços de encontro potencializados pelo teatro e sua dinâmica. Não um retrato mimético, mas uma apropriação da experiência, transformada em corpo, em música e em movimento.